○残楽三返（のこりがくさんへん）
　演奏法の一つで、同じ曲を三回繰り返して演奏すること。
　演奏会では越天楽が演奏がこの形式が演奏されたのだが、まず１回目には通常通り全部の楽器が演奏する。
　そして演奏が２回目、３回目と進むにつれ、それぞれの楽器が各々の箇所で演奏を止めていくのだ。
　１回目：１００％
　２回目：７０％→５０％
　３回目：４０％→０％
　大まかにはこのようなイメージ。
　ここでも重要なのは聴く側の態度。聴く側は１回目の演奏で旋律を心に留め覚える。
　そして２回目、３回目とそれぞれの楽器が演奏を止めていっても、心の中で旋律を流し続けるのだ。　
　１回目は全員で演奏してくれているので余裕である。
　２回目には徐々に音数が減ってくるが、主メロの篳篥が残っているので心の中で旋律をキープするのは篳篥を追うだけなので簡単だ。
　しかし、３回目の頃には主旋律の篳篥も演奏をしたりしなかったりと、伴奏で残っている琴の中を縫うように演奏をする。
　聴く側の旋律をサポートしつつ、自立を促すような形になる。
　ついに篳篥も演奏を止める。
　まだ心の中で旋律をキープする。
　伴奏の琴だけになる。音の切れ際、残響が特に目立つようになる。
　琴もゆっくりと繊細に、無音に着地する。
　実際に鳴る音はゼロになる。
　・
　・
　・
　前回の音取に続いてなんとも聴く側の態度が問われる形式だ。
　最後には演奏は終わるのだが、結果的に聴く側の心の中の旋律はその後も鳴り続けるのではないか。
　実際の演奏がだんだんと溶け、聴く側の心の演奏と一体となり、最終的には裏返る。
　というなんとも引きの美学を感じさせるものであった。
　
　この形式って似たものがポップスのライブでもよくある。
　ボーカルがサビでマイクを客に向けて歌わせるあれだ。
　ライブによってはそのまま客に歌わせ続け、演奏もみんな止めてしまって客の声だけで曲を終わることもある。
　コール&レスポンスの発展形だと思うが、雅楽のそれは何とも繊細で感動的なものだった。
　実際には次の演奏が始まるので心の演奏も止まりましたが（笑

　あともう一つ思ったのが琵琶に「サワリ」が無かったことについて。
　雅楽の琵琶は楽琵琶といって「サワリ」が無いんですね。
　Wikipediaによると奈良時代に唐から入ってきた琵琶の形に最も近いそうな。
　元々無かった「サワリ」を後々独自に付け加えるあたりが日本文化的。

　「サワリ」は相当奥が深いと言うかハードコアな物なので、興味を持った方は自身でいろいろと調べて欲しいです。
　門外漢なりに簡単に紹介すると、
　「サワリ」は一部の三味線や琵琶に着いている仕掛けで、振動する弦にわざと楽器の一部が軽く触れるようにして、音をビビらせるもの。
　現代的に言えばディストーション装置であると同時に、ハーモニクスを出す装置。
　元来の西洋楽器には無い装置で、その価値観の違いが垣間見ることができる。
　「古池や蛙飛びこむ水の音」を心地よい音と感じるか、ノイズとして感じるかの違いかと。
　インドのシタールなどにも「ジャワリ」という名前で同じ仕掛けがあります。ビートルズの曲で使われていて有名。
　
　「ビィョョーーーーン」という音。

　確かに「サワリ」の音色は洗練された合奏音楽の雅楽には向いていないようだ。
　琵琶の伝来した時の形と、その後の進化をした琵琶の違いも今まで意識したことが無かったので一つ勉強になった。

2013-01-27

雅楽1

邦楽音楽コラム

今日は雅楽の演奏会に行って来た。
雅楽は興味を持った時からサイケな音楽としてCDは聴いていたのだが、生の演奏を聴くのは今回が初めて。

場所は西新宿にある東京オペラシティだったのだが、この場自体が少し変わった所であった。美術館やホールにオフィス等がある大きな複合施設なのだが、そこに広場がある。昼頃はバグパイプ奏者が演奏をし、雅楽公演が終わった夕方には、その広場ではモダンジャズをバンドが演奏している…

さて雅楽。
演奏は以前から好きなので良かったのだが、司会の方が曲の内容や意味を解説してくれて、雅楽の背景の深さに触れることができてとても良かった。解説で聞いた事も含め、気になった事をいくつか書く。
（勘違いしている箇所があるかも知れません。「ここ違うよ！」という方はご指摘して頂けるとありがたいです。）

まず驚いたのが、チューニングについて。

○「音取」
演奏全体を始める前に行う「音取」という短いチューニングの曲がある。この曲には二つの意味のチューニングの役割があるという。
…
A、各々の楽器を「調子」(雅楽には「調子」と呼ばれる、西洋音楽で言うところの「キー」（ハ長調等）に近いものがある)に調　整する、という演奏者側のチューニング
B、調子の持つ雰囲気を会場全体に聴かせる、言わば会場や聴く側のチューニング
…
Aは西洋の音楽全般（ロック、ジャズ、クラシック…）でも演奏の前に行われる。あくまで演奏者側のチューニングだ。
雅楽はAに加え、チューニングをBの意図まで含めた一つの曲、演奏形式にまで昇華させている。これは驚いた。
演奏する「場」や「聴く者」が重視されている様子が伝わってくる。

○「渡しもの」
雅楽では一つの曲を元の調子から別の調子に置き換えて演奏する事があるという。これを「渡しもの」というそうだ。
今回「平調」（西洋的には"ミ"主体）という名の調子で演奏された「越天楽」という曲は、次回の７月の演奏会では「黄鐘調」（西洋的には"ラ"主体）という別の調子で演奏されるそうだ。
え、
同じ曲なのになんで…？？
それは演奏する季節が、今回と違うからだそうだ。
せ、
繊細！！
しかも調べてみると、「渡しもの」は西洋的に言う移調（カラオケでキーを上げたり下げたり）ではない。
調子は西洋音楽とは違い、調子によって音階、旋法も微妙に変わるため、メロディーの起伏自体が変化するということのようだ。ひええ。年中やってるサザエさんのオープニング曲（お魚くわえた〜♪）が歌詞はそのまま、梅雨とか秋とか季節によって微妙に短調になったりしてたらビビるわー。
これも演奏する「場」や「聴く者」、発展して「演奏される季節」なんて環境まで踏まえた表現なんだ、という事が伝わってくる。
雅楽恐るべし…

まだ驚いた事があったが、思いの外長くなったのでまた次回。

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